Ligia Fascioni

Quando entrei na universidade, nos idos de 1984 (meldelz, são mais de 30 anos!), tinha uma disciplina obrigatória chamada Prática Desportiva, com turmas separadas por gênero. No curso de Engenharia Elétrica a turma era de 50 nerds; eu era a única “nerda”. Não dava para formar nem uma dupla para jogar peteca; tentei me encaixar nas turmas de nutrição ou pedagogia, mas o problema é que para os horários disponíveis, só tinha futebol ou handebol. Minha estrutura óssea é pequena, de maneira que sempre me dei muito mal em jogos onde é necessária luta corporal de alto impacto pela posse da bola. Foi então que descobri que a universidade tinha um grupo de jazz, com aulas à noite, e o melhor, valendo créditos para a tal Prática Desportiva.

Como nunca dançamos ao som do trompete de Miles Davis, tenho para mim que esse nome tem algo a ver com o maravilhástico musical All That Jazz, sucesso alguns anos antes. Pelo menos a trilha sonora do filme era onipresente nos ensaios. Resumo: passei os cinco anos do curso dançando, mesmo quando os créditos não valiam mais.

Eis que em meados de setembro do ano passado, passando pela frente de uma escola de música aqui perto de casa, vi que havia vagas para dança e me inscrevi. Depois de um teste, comecei as aulas de dança-teatro, uma coisa que nunca tinha experimentado na vida. Alguns anos antes havia assistido o maravilhoso documentário do Wim Wenders sobre a coreógrafa que é a principal referência em dança-teatro no mundo, a alemã Pina Bausch, mas, na época, não liguei o nome à pessoa.

De cara, fui escalada para uma apresentação e já mergulhei de cabeça nos ensaios que estavam em andamento. Nas aulas de dança que havia frequentado até então, participar da apresentação começando os ensaios a menos de duas semanas do evento seria impossível. Mas na dança-teatro é. Porque é diferente. Porque tem tudo a ver com inovação, colaboração, repertório, criatividade e, principalmente, improviso.

Em todas as aulas que eu tinha feito no passado, a coreógrafa inventava os passos, movimentos, desenhos, tempos, e qual grupo fazia o quê em cada momento da música. A nós, bailarinos, só restava ensaiar e repetir exaustivamente os movimentos até que fossem automatizados de maneira que finalmente podíamos realmente dançar.

Na dança-teatro é completamente diferente: ninguém repete nada. A coreógrafa é a responsável pela mensagem a ser transmitida, pela música e pelos diferentes momentos da performance, mas não define passos nem movimentos. Isso fica por conta da criatividade e repertório do bailarino.

Tanto é que fiquei muitíssimo confusa às vésperas da apresentação porque a professora queria ver meu Ablauf. Não entendi lhufas; procurei um dicionário para ver se tinha alguma outra tradução que se encaixasse no contexto (Ablauf é decurso, evolução, expiração). Só depois é que, com a ajuda das colegas, descobri que cada bailarino deveria fazer desenhos mostrando sua posição em cada parte da música e as respectivas palavras-chave orientativas (tipo alegria, energia, crescimento, dor, etc), para facilitar a memorização e dar tudo certo no final. Gente, se isso não é co-criação em seu estado mais puro, então não sei o que é.

Outra coisa que aprendi é que, ao contrário das minhas aulas anteriores, onde eu deixava o cérebro em casa e passava o tempo relaxando e repetindo movimentos, nessas aulas sou obrigada a criar conexões neuronais em escala industrial.

O que acontece é que a gente recebe instruções desafiadoras o tempo todo; aliás, a palavra teatro como parte do nome não é à toa. Por exemplo: numa das tarefas, é preciso imaginar que há uma bola de fogo passeando pelo interior do meu corpo. E isso precisa ficar claro para quem está assistindo. Ou então tenho que contar uma história triste usando apenas as mãos durante toda a dança. Ou só os dedos dos pés. Ou os cotovelos. Ou usar uma lanterna para expressar sofrimento profundo. Ou tratar, durante a evolução de uma coreografia, dois pedaços de madeira como se fossem talismãs preciosos. Ou ainda, dançar completamente fora do compasso da música (isso foi realmente uma das coisas mais difíceis que experimentei); ou interagir com um espelho simulando um encontro interno; ou dançar com uma cabeça de isopor como se fosse uma pessoa importante na minha vida; ou travar uma batalha com mais duas bailarinas, aliando-me, ora à uma, ora à outra (a sincronização deve ser só pelo olhar, já que tudo é improviso); ou manipular um objeto imaginário, como uma pena, uma bola de luz ou um martelo pesado; ou, como na apresentação inicial, imaginar que você é uma chama que se junta aos colegas ao longo da música até formar uma fogueira. Tudo isso dançando. Em alemão. Estão acompanhando o nível do negócio? Olha, não é fácil não. Ainda mais que ninguém lá usa dorgas, até onde sei….rsrs

Outra coisa que me chamou atenção é que aqui a criatividade e a expressão são mais importantes que o rigor técnico; ou seja, em princípio, qualquer um pode praticar, independente de suas condições físicas ou experiência anterior (claro, não estou falando de um grupo profissional).

A dança-teatro, além me apresentar um novo e maravilhoso lado do mundo da dança que eu desconhecia completamente, ainda me mostrou como meu repertório corporal é pobre, limitado e pouco criativo. Eu me achava muito descolada e acreditava que ia tirar de letra cada tarefa dessas, mas depois dos primeiros 40 segundos, vejo que já gastei absolutamente tudo o que tinha pensado em termos de movimento e me vejo desesperada procurando ideias. Um repertório colecionado por cinco décadas dançando como se não houvesse amanhã na sala de casa parece que até dá para o gasto, mas é praticamente nada se a gente for testar de verdade. E sempre ainda tem mais uns dois ou três minutos de música para desenvolver e dar um jeito de inventar movimentos novos. Pensa. Ginástica mental nível hard.

A conclusão que chego é que dança-teatro deveria fazer parte de cursos de inovação como pré-requisito. Tem quebra de convenções, exercícios de criatividade, co-criação, colaboração, prototipagem, desenvolvimento de solução de problemas e ainda faz bem para o corpo e para a mente.

Fica a dica. É bom demais da conta!

NOTA 1: A experiência relatada é baseada apenas nesses meses de curso, nessa escola, com essa coreógrafa. Uma amiga que fez dança-teatro na Itália me contou que as coisas lá são um pouco diferentes. Não faço ideia de como é no Brasil.

NOTA 2: Quero agradecer especialmente à coreógrafa Hanne Franziska Bender, pela sua paciência e queridice. E à nossa luxuosa pianista Olga Pancenko, que tem que dar um jeito de escolher e tocar músicas que ajudem nos desafios…rs

NOTA 3: As fotos são todas do meu amor Conrado Seibel. Ele fez dois vídeos também; para quem tiver curiosidade de ver, é só clicar aqui e aqui.